【別對映像研出手！】你一定聽得出的鬼音效

由於人經常專注於視覺的習慣，聲音比起影像更容易被觀眾忽略，不容易意識到，其實聲音才是建立影像世界的保護膜，將我們隔離現實，完全投入故事的關鍵。 本篇將專注於「音效」的解說，透過百目鬼的出場與行動，讓人一探究竟音效世界！

音效是什麼？你一定聽得出來

大家可以先看看第六集(點擊觀看)，分秒數：11:00~16:24。

金森看見音響社(日文稱之音響，中文則為音效)被學生會下達的遷出命令，藉機利用學生會的職權，向音響社利誘威脅，目的是為了拿到免費的音效素材以及人才──百目鬼。

以為只是金森為了拿到免費音效跟人才的一場戲嗎？那你就太小看動畫團隊了！結合先前介紹的「分鏡」與「演出效果」的技巧，看導演湯淺政明與編劇木戶雄一郎如何將「音效」用最淺白的方式告訴觀眾吧！

※以下畫面專為介紹音效，以及動畫團隊如何運用故事說明音效，並不代表本場戲的全部，以及鏡頭數喔。

觀眾跟著淺草感嘆，這麼珍貴的音效庫，如果真的因為被廢社而消失，那才真的是一大損失啊！故事的鋪陳從現實的「金錢考量」，經由淺草介紹瀑布的72種聲音，觀眾逐漸地了解，音效作為一份專業，居然能夠細緻到如此地步，而有了敬意。

然而不只如此，設計了第二段介紹「音效」的差異性。

現實的金錢衡量、廣泛的音效素材以及實際的音效操作，深入淺出的介紹方式，引導觀眾一步步領會其中的意涵，這一點非常不容易。

倘若觀眾無法認識「音效」，也就無法全面地認識「映像研」；然而，如何向觀眾簡單介紹「音效」，並能從中察覺異同處，愈是習以為常的事情，實際做起來更難。這一段鋪陳不僅平實、好懂，更建立「音效」的價值──沒有精準的音效，影像做得再好，終究不真實。

靜態影像 VS 動態影像的敘述差異

這段創意來源，並不是導演湯淺政明的獨厚巧思，而是原著漫畫家大童澄瞳既有的創意安排，不過介紹的順序是與動畫的呈現顛倒：先介紹音效的差異(不同鞋子、不同地面)，才展開音效的專業領域，說明音效的價值、細節與金森的目的。

並且，漫畫中百目鬼的出場是製作《芝濱UFO大戰》過程出現，動畫則是在《機甲動畫》的時間點就出場了，於是問題來了，為什麼湯淺政明要把百目鬼的出場提前，還將介紹音效的順序顛倒呢？其實不只是音效，湯淺政明在動畫裡還加入了美術社作為背景作畫的輔助幫手，原著並沒有這些小幫手，那麼又為何要增加篇幅呢？

兩份作品作為對照來看，湯淺政明的目標不只是忠於原著，更想貼近現實狀況，比如說，金森曾問水崎，機器人作畫到底多有難度，水崎說：「帶著手套和手銬描圖500張，只要有0.02公釐的誤差，就會瞬間下地獄。就跟背負這種詛咒一樣辛苦。......一邊構思動作，還要以時速三張的速度，畫出這麼多線條的畫，簡直就是詛咒。」

如此極限的工作環境，高中生只在社團時間工作都不可能做完的情況下，不就存在著勞動條件的限制嗎？時間、人力都不足，更何況還得要預留後製剪輯、音效的時間？客觀條件之下的種種困難，「尋求其他人的協助」自然就成為金森的解決之道。

於是，美術社的背景協助是自然的結果，百目鬼身為音效達人，也必須提早出場；機器人的戰鬥場面，肯定需要專業音效庫的協助，並且透過廣泛地介紹音效，層層推進到淺草拿出平板，聽見罐頭音效而倒胃的百目鬼，這一連串的鋪陳，不僅不能少，順序也不能替換──為了忠實呈現動畫作業狀況。

漫畫原著秉持著「動畫」精神，開啟了故事；動畫化的作品提煉故事核心，完善地利用動態影像的技巧，提供觀眾「動畫工作」更為全面的觀看角度。

也許你會想說，這難道不是原著想得不夠精細、不夠準確的緣故嗎？若是原著能夠把故事說得像動畫一樣完整，也就不會有微調內容的可能性？身為觀眾，以結果來看，這樣的疑問是蠻合理的邏輯思考，那麼我也以此角度來擴展應用的範圍：像是所有的改編作品為何需要改編？假如原著的故事內容夠強、夠精準呈現，也就不需要改編了？

你說，這兩個概念不同吧？一個是同一個作品的呈現，可能是文字轉成影像，或是像這部作品，從漫畫轉為動畫，但是改編作品，很明顯就已經是改編了啊？那怎麼能一起討論呢？

噢，你有發現嗎？其實你已經指出關鍵了喔！那就是：這是不同的事情啊！

即便是同一部作品，靜態影像與動態影像的說故事技巧，也是不同的事情！漫畫的說故事方式，基本上是奠基在「分鏡」，透過分割畫面引導視覺的運動方向，由讀者掌握閱讀的時間，也就是閱讀節奏的快慢，不需要符合現實時間；然而，動畫決定節奏與時間長度，觀眾在已定的時間之內，動畫掌握的技巧不只是分鏡了，包含人聲、音效、配樂與動態影像交織而成的精彩演出。

不同的技巧造就不同的層次，動畫固然具備眾多技巧融合的優勢，相對來說，漫畫是專注於萃取焦點的技術，既得保持故事流暢的節奏，勢必得做出更多取捨，正是如此，堆砌完美的戲劇節奏，才成就了黑白漫畫的王道之路。也就是說，漫畫原著沒有動畫來得淋漓盡致，並不代表這是原作的疏失，而是因應不同媒介的發揮空間，選擇著墨的重點也就不同。

依我所見，大童澄瞳的鋪陳節奏與精簡扼要的展現，很難相信這是第一部漫畫作品，與其說他在技巧有多麼精實，不如說，由於他相當熟悉動畫製作的過程，因此鋪排三位主要角色的主線、支線，也儘量地貼近一般觀眾的角度，而動畫則是以此為基底，為影像及聲音豐富許多層次；不諱言地，原作才是影響動畫製作延伸創意的起點。

選擇在此篇說明，其實是想再扣回主題──音效。單說影像的差異性，也許讀者還是不太容易了解，然而「聲音」卻幾乎完全是動畫原創，原著所描繪的音效參考終究比分鏡畫面更加有限，相對地凸顯了動畫製作的創意。

貼近真實的音效

音效所要求的真實性有多高？最基本的是，身為一般觀眾的人聽了不會感到奇怪。你說，這不是廢話嗎？聽得出來的話，哪會有人用......嗯？你是不是想起了某些劇作，其中的音效確實不太行？或是在某一瞬間，好像哪裡怪怪的，但是影像會帶著你繼續前進，久了也不會感到那麼奇怪了。正是因為觀眾或多或少都有相關的經驗，先前百目鬼出場的時候，音效的差異性才能被觀眾認同與理解，立即對機器人的罐頭音效搖頭，增加對百目鬼的信心。

第三集的場面擔當──爆炸，則是介紹原作與動畫差異很好的例子。原作只有展現爆炸場面，金森問水崎這樣的畫面是否畫得出來，而動畫細膩地描繪了這個瞬間。

爆炸的畫面先出現後，聲音才隨著旋風吹來，金森疑惑，說這是音畫(聲音跟畫面)不同步吧？淺草解釋，這才是現實的狀況！光跑得比聲音快，所以人會先看見爆炸的模樣，遲一些才會聽見聲音。雖然這是常識，卻因為應用得當、簡明扼要，令人印象深刻。這一細節在漫畫並未出現，我認為主要是受限於聲音無法立刻呈現，反倒不是刻意被忽略──觀眾是眼見為憑，這是優點也是限制。漫畫無法提供立即的音效，但動畫做得到，因此放大細節、細膩鋪陳的空間，拓展觀眾的觀看角度。

第四集公開《握緊手中的開山刀》時，甚至利用動畫世界的風吹入現實，營造強烈的臨場感，風吹起了紙張、砲火攻向觀眾──

除此以外，每當進入想像世界，淺草這位設定狂就會自動轉為「人聲」音效，模仿腳步聲、螺旋槳聲......但這並不完全取代音效，例如音曲浴場那一集，淺草搭著小船從高處滑水道落下，水聲依舊是清脆流暢，音效呈現演出效果的比例拿捏，也是一項學問。

說到這，第十集介紹音效後製的方式相當微妙，利用了日式便當裡的塑膠葉聲音波型解說，實體化聲音的想法，真是太有創意了！

百目鬼直接用手去「切」聲音波型，代表聲音剪輯的動作，重複了三次的鈴聲，仔細一聽，每一次都有些微不同，音效師對於聲音細節的掌握，其實比影像更要求精準。第一次看到這樣的表現方式，看似簡單明瞭，實則富含創意的展現，已經超出演出效果，在我心中達到作品水準以外的敬意。

身為影像世界的保護膜，音效的採音、後製等階段，不亞於影像製作，卻鮮少被觀眾得知，若是對於其中技術有興趣的讀者，可以延伸觀看兩部紀錄片《擬音》、《電影音效傳奇：好萊塢之聲》(註1)，更能挖掘聲音設計的不同層次！

下一次觀看作品時，有空也戴上耳機，仔細聽聽聲音帶給我們的演出效果吧！

資料來源

圖片1~3：巴哈姆特動畫瘋《別對映像研出手！》第六集。
圖片4~5：巴哈姆特動畫瘋《別對映像研出手！》第三集。
圖片6~8：巴哈姆特動畫瘋《別對映像研出手！》第四集。
圖片9：巴哈姆特動畫瘋《別對映像研出手！》第十集。
(C)2020 大童澄瞳・小学館／「映像研」製作委員会。

註1：二部記錄片皆有在Giloo紀實影音，提供參考。