AI時代的藝術品：藝術可以不是由「人」創作嗎？ （二之一）
海德格將「技術」理解為一個「揭示」（revealing）的過程。意思是說，事物有其原本、美好的樣子，卻被掩蓋了，而技術則是把這個被遮蔽的本原面貌呈現出來。例如，雕刻家運用他的雕刻刀和手藝，把一塊大理石雕刻成一副精美雕像，就是要將被大理石掩蔽了的雕像「揭示」出來，這才是作為藝術品的本來面貌。在傳統技藝中，這個「揭示」過程緩慢而溫和，也表達了人跟自然世界交往的耐心。海德格稱之為「帶出」（ bringing-forth）。但現代科技的手段則是強行而粗暴，他用了「強索」（challenging-forth）一語，即不是有耐性並緩慢地帶出事物之美好，而是以最快速、有效的方式逼使自然向人提供所需之。海德格最後得出一個結論：人需要藝術——而藝術（art）本就有工藝（craft）之意——方能在現代科技的強索迷思中解放出來。
我是在一篇關於人工智能藝術（AI藝術）的文章（註1）中讀到這個說法的。根據海德格的思路，他一定不喜歡AI藝術，因為以他的定義，運用AI創作藝術正是一種以速度和效益為目標的行為，以強索方式創造藝術品，自然應受唾棄。但我並不同意此說，海德格未免把藝術想得太嚴格了。幸好這篇文章也提到另一種觀點，乃是來自荷蘭哲學家維貝克（Peter-Paul Verbeek）的技術哲學。這種觀點認為，我們不應只把技術理解為人用作改變自然的「工具」，而是應該反過來想，技術決定了人在世界中的能動性，沒有技術，人就無法成為能動者。若以藝術作例子，就更加清楚明白了：藝術自古就是人與技術合作的成果（「人＋技術」綜合體），單靠人而無技術，藝術不會存在。是故藝術才有工藝之意。因此以海德格之直接論否定AI藝術的藝術價值， 並不合理。
在關於AI藝術的眾多討論中，較多人談論到的問題是「AI 創作的是不是藝術品？」。無論是AI 作畫、AI作曲還是AI寫詩，反對者一般都同意這樣的觀點：AI沒有藝術創作的慾望。AI是以深度學習（deep learning）和演算法，大量吸收並分析人類過去的藝術作品，再在此基礎上進行創作。作品即使再好，由於它的生產過程只是一堆數字和程式，因此作品都是「沒靈魂」、「沒感情」的，稱不上是藝術。先不論這種觀點是否合理，但背後其實觸及了兩個比較本質的問題：一是關於藝術的，即是否必須有一種姑且稱為「創作慾望」的東西存在（靈魂、人類感情等等），藝術才能成為藝術？二是關於科技的，即人工智慧能否模擬人類藝術家的「創作慾望」？
在沒有解答上述兩個問題之前，討論很快又轉到另一方向：「AI創作背後的那個『人』，算不算藝術家？」有兩個一舊一新的例子經常被提及。2018年，一個由三名法國學生組成的團體Obvious，利用AI「創作」出一個名為「Belamy」的畫作系列，那是一組人仿造的家族人像畫，其中一幅名為Edmond de Belamy的人像畫，則在紐約佳士得拍賣會中以43.2萬元出售。Obvious宣稱，「創造力不僅適用於人類」，試圖以「GAN-ism」（GAN 即Generative Adversarial Network，生成對抗網絡，是常用的AI成像方法）命名他們的「藝術創作」，還故意將作品印製成實體畫，加上一個數學算式作簽名，並在拍賣場拍賣。但批評者則記認為Obvious只是在製造話題，令人以為AI藝術就只有以這種手段挑釁傳統藝術界，反而扼殺了人們對AI藝術的想像。
新的一例在是2022年，一名網絡遊戲設計師艾倫（Jason Allen）以其畫作《Théâtre D'opéra Spatial》獲得美國一數位藝術獎首獎。獲獎後艾倫隨即自揭，作品是由AI圖像生成軟件Midjourney所畫的。有人認為，艾倫此舉形同作弊，但亦有人認為AI不過一種作畫工具，不過應該為這「新藝術工具」另立獎項。而艾倫本人則指，過去藝術家不認為AI能取代創作性工作，而現在藝術家則開始擔心終會被機器取代。「我認為現在藝術正走向存亡危機，人工智能的顛覆性技術是一個很大的因素。」艾倫說。
兩個例子，說明了人們對AI藝術的矛盾心理。一方面人們不接受AI可以取代藝術家的創作力，另一方面人們也不接受在Al 背後使用Al「創作」的「人」是「藝術家」或「作者」。艾倫的一番話正好揭示，人們不受接AI很可能是一種科技恐懼（technophobia）的心態作祟。在藝術領域中，AI既非「人」也非「工具」，而上述兩例則亦已說明，AI藝術的出現乃是要改變當代藝術體制中對「藝術」的認知方式。這種介入其實是很現代主義，只要想想杜象（Marcel Duchamp）怎樣拿一個尿兜（他的作品《噴泉》（ 1917））去參加藝術展，就會明白，一般人對AI藝術的情緒，是怎樣一回事。可是，杜象的尿兜已是一百年前的方法了。
因此，對AI藝術的思考，也不應停留在這種舊思維上。反而我想借一個同樣不算「新」，至今卻仍有很大參考價值的想法，用以討論AI藝術的問題。班雅明（Walter Benjamin）在1930年代發表過一些關於現代性與美學的文章，其中在〈機械複製時代的藝術品〉一文裡，就考察了攝影技術在十九世紀的出現，如何改變人們「感受」藝術的方式。班雅明最著名的論調，是認為機械複製技術（如攝影、錄音、電影）令傳統藝術的「靈光」（aura）消失。傳統藝術生產自手工藝，作品的原作在是特定時空和處境被創作出來的，因此也是獨一無二，但機械複製技術使「原作」失去價值，原因是機械複製品的生產主要是為滿足欣賞者（他所沒有言明的是，失去價值的尚有原作者的絕對權威）。班雅明進一步說，當機械複製技術出現以後，藝術家為了回應這個現代性趨勢，就提出了「為藝術而藝術」（l’art pour l’art）的教條，其實就要復興藝術家的權威性：藝術家只為藝術本身服務，而不是為欣賞者。
這篇文章帶有曖昧的左翼傾向，班雅明最終要揭示的，不是對藝術靈光失落的慨嘆，而是恰恰相反，對機械複製技術解放了藝術、使藝術民主化和政治化的讚揚。同樣是拆解關於藝術的舊觀念，杜象的方法是在藝術體制內部挑戰對「美」和「藝術」的習慣定義，而班雅明的方法則是從文化外部、考察科技發展對藝術定義的顛覆。但跟海德格不同的是，班雅明不是在問「科技」本質為何，而是要描述科技在現實中所發揮的影響，他真正要點出的藝術問題是：科技拉倒了藝術的「權威性」，這權威性本來乃是基於一種本真性（authenticity），即藝術家在特定時空裡的原創性，並投射到一實物的藝術品之上。而所謂「為藝術而藝術」，就是將這種本真性封閉，將藝術排除於「藝術家為藝術以外的其他社會性功能（包括為欣賞者服務）而創作」的可能性以外。
當然在AI藝術的問題上，機械複製早就「不是問題」了 。數碼複製技術甚至令班雅明所講、在菲林曝光和沖晒技術中殘留的不確定性而產生的靈光，亦已被清除得一干二淨，然而他的提問方式對AI藝術問題的討論仍深具啟發性。機械（及數碼）複製技術推倒了藝術（及藝術家）的某種權威性，但藝術體制卻一直要維持，而「原創性」則是至今仍難以質疑的藝術條件。例如，攝影師對「工具」及「技術」的依賴遠高於畫家，而當數碼技術出現之後，技術（如菲林）帶來的不確定性可以被進一步消除。在數碼攝影創作中，攝影師愈來愈於依賴對「技術」的控制（如使用圖像處理軟件），而不是過去藝術家所講的「創造力」和「工藝」。因此在數碼攝影大行其道之後，有些藝術家為了保持攝影藝術的「靈光」，就堅持使用菲林，或在一些競賽中禁止或限制使用圖像處理軟件。這種些做法並沒有保護到藝術靈光以免進一步消逝，而是恰恰如班雅明所言，藝術的範籌被進一步解放。
而AI藝術不過是延續這場「科技解放藝術」的現代性過程。（二之一‧未完）
註1： 洪靖：〈AI 是大藝術家？人工智慧演算出的作品可以被稱為藝術嗎？——《再．創世》專題〉，https://bit.ly/3UEZxCY
（圖：艾倫（Jason Allen）以AI圖像生成軟件Midjourney創作的畫作《Théâtre D'opéra Spatial》）本文同步發表於作者Ko-fi專頁。