嬉皮士现代主义：为乌托邦而奋斗

编译自：Hippie Modernism: The Struggle for Utopia

“嬉皮现代主义：为乌托邦而奋斗”审视了艺术、建筑和设计与20世纪60年代和70年代初反主流文化的交叉。今年早些时候，该展览在明尼阿波利斯市沃克艺术中心（Walker Art Center）展出，展览围绕蒂莫西·利里（Timothy Leary）的著名箴言“开启、融入、抽离”（Turn On, Tune In, Drop Out）松散地组织起来，描绘了那段时期的社会、文化和革命。

展览所附的目录更进一步，考虑到欧洲和北美出现的激进建筑和反设计运动的实践，以及印刷革命、新形式的戏剧和激进的政治。在这里，我们采访了策展人和编辑安德鲁·布劳维尔特（Andrew Blauvelt），谈谈这场运动的作用和影响。

尽管艺术和文化明显受到这一时期的影响，但很少有大型博物馆展览记录反主流文化。你认为这是为什么？你希望在“嬉皮士现代主义”中实现什么？

在过去十年左右的时间里，已经有了很多展览集中展示这一时期的各个方面，这已经成为艺术历史的时尚。但一般来说，大多数主要的博物馆都不会碰这些材料，因为它们并不完全属于艺术阵营，也不是那个时代的艺术经典。太多的“蜉蝣”（昙花一现的事物），或者我们所说的平面设计。

当我们想到20世纪60年代，我们通常会把它与许多其他重要的运动联系起来：流行音乐、概念主义、大地艺术（Land Art）、人体艺术、极简主义等等。通过做“嬉皮士现代主义”，我希望更多地关注这些高度实验性的实践，并通过这样做，为理解那个时期不符合规范叙述的作品打开新的空间。就像我们现在在遥远的地方寻找现代主义的证据一样，我们也可以在离家更近的地方看到被忽视的东西。

你能详细解释一下“嬉皮士现代主义”吗？

这似乎是一个矛盾的说法，主要是因为我们认为现代主义是或应该是什么。我被这个基本的难题吸引住了。然而，在做这个展览和这本书的过程中，我们越来越清楚地看到，这个词实际上体现了后来被称为后现代主义（对现代主义的批判）的矛盾。从今天的角度来看，它可能被简单地认为是“另一种现代主义”，是创造艺术、利用技术和塑造社会的另一种方式。

这本书的前言中，你提到了嬉皮士反主流文化和现代主义中共同的斗争意识和“从零开始”的需要。虽然文化和技术的元素在许多方面都有了进步，但我们仍然受到那个时期的问题和希望的束缚，这本书和展览中所讨论的很多内容在今天仍然适用。

哦，是的：气候变化、“黑人的命也是命”（Black Lives Matter）这是两个主要的例子。进步可能是缓慢的。斗争似乎是永恒的。我们仍在为自己的乌托邦而奋斗。我不想相信20世纪60年代的失败叙事，毕竟，这段历史是由上世纪80年代保守派的政治胜利所改写的。在我看来，这一胜利转瞬即逝，因为文化继续沿着20世纪60年代开始的轨迹前进。斗争仍在继续，这在很大程度上是因为这个体系改变了它的主题和雄心。例如，20世纪60年代的社群主义（communalism）被重新塑造成今天的共享经济：沙发冲浪变成了Airbnb，等等。

《全球概览》（Whole Earth Catalogue）上的一句话“求知若饥、虚心若愚”（Stay hungry. Stay foolish）是反主流文化的关键，但自从史蒂夫·乔布斯（Steve Jobs）在一次毕业典礼演讲中使用了这句话后，现在被硅谷企业家们采用了。令人难以置信的讽刺是，当你回顾那个时期的想法时——同样有趣的是，现在科技行业可能会把自己视为一种反主流文化。

啊，企业家的口号。我们应该记住，在20世纪60年代，计算机是大公司、政府和军队的领域。反主流文化的梦想是个人计算机。计算机（以及便携式摄像机甚至电视）可以成为释放个人创造力和联系人们的民主工具。这是一个革命性的想法。乔布斯和盖茨是这场革命的受益者，扎克伯格和布林必须与这场革命的遗产抗争。

反主流文化运动的跨学科性质最终形成了一种完整的“生活方式”——正如斯图尔特·布兰德的《全球概览》所体现的那样，你会说从某些方面来说，现在所做的是一种对可能发生的事情的积极描绘？

是的。我在书中说，反主流文化之所以在当时如此成功，是因为它积极地“原型化”它想要生活的未来。举例来说，如果你想要性解放，你必须现在就开始行动，而不是简单地要求它。即使失败了，它也提供了一瞥和一种可能的体验，这种体验具有更持久的结果和价值。

今天，这些想法已经被创造性地补充和重铸，重点不在于对独创性的主张，而在于连续性的观念。为什么过去在今天看起来特别有吸引力？

建筑团队Archigram非常出色地预测了我们的身体与数字设备的联系，例如Electronic Tomato和Info-Gonks——你对在研究中遇到的预测感到惊讶吗？

一直都是。Info-Gonks就像谷歌眼镜。20世纪70年代和80年代，阿姆斯特丹的一个电动汽车共享项目Witkar。Archigram的“Room of a 1000 Delights”就像虚拟现实。Superstudio的Supersurface就像互联网。Heineken的World Bottle：玻璃啤酒瓶作为一个升级的建筑砖。Videofreex电视项目预示了社区电视和“用户贡献内容”。那是一段充满幻想的时期。

出版业扮演了一个非常有趣的角色，尤其是它在很大程度上承担了出版作为创造或为公众服务的角色，你认为哪些杂志是那个时代的典型？

我想到了三份杂志，都在展览里。Aspen magazine，“盒子里的杂志”（the magazine in a box），这是一份主题出版物，每期都有一个独特的艺术指导。它是材料和媒介的集合：小册子、海报、图像、软盘、电影和音乐唱片——这些都是多媒体的信息。另一本杂志是Scanlan's Monthly，由不可思议的芭芭拉·斯道法切·所罗门（Barbara Stauffacher Solomon）执导，她以超大图形闻名。这是一本揭露丑闻的杂志，给世界带来了疯狂的新闻报道，也是第一本呼吁弹劾理查德·尼克松的杂志。这两本杂志基本上都被迫停刊的，表面上是因为它们不符合邮政法规，或者被印刷商列入黑名单。Oz magazine在设计和内容方面都有所突破。它受到审查。

这本书不像传统的展览出版物，因为它关注的是主题，而不是具体的展览记录。你能详细说明一下你做这本书时的想法吗？

我和Walker的设计总监埃米特·伯恩（Emmet Byrne）合作完成了这本书的设计。我们在做这本书的时候也有类似的顾虑，一方面我们受到了内容和时代的启发，但是我们不想去模仿它。我们希望创造一些新鲜的东西，但同时也希望创造一些不受其内容影响就不可能被创造出来的东西。

从形态上看，它是《全球概览》（包括平装版）和《人民黄页》（People’s Yellow Pages，旧金山湾区的一本免费电话簿）的混合体。我们最初的计划是使用Helvetica字体，这在当时确实是革命性的，但是一旦你看到Scanlan's的字体设计，就没有必要去模仿了。我们需要更多嬉皮士。为了节省时间，我们没有使用橡皮图章，虽然这很诱人。取而代之的是打字机和Cooper。

带有颜色和黑白条纹的时髦银纸是纯正的Emmet。这些页面的功能类似于为展览中的不同作品做“广告”，有时它们只是简单地重现一个真实的广告，但经常是虚构的。在这里，我们也使排版和风格调色板多样化，Day-Glo是在旧金山湾区发明的，直到这个时期才真正被开发，因此才有了荧光黄色。

我的想法是把“反文化的广告”（Advertisements of a Counter Culture）的复写版也包括进去，它最早出现在《建筑进展》（Progressive Architecture）杂志上（大概是编辑被炒了）。我想重复这个想法，为反文化做广告，并扩展它。我希望我们有时间和空间去做更多的事情。

读者应该从巴克明斯特·富勒（Buckminster Fuller）和Shoji Sadao为第67届世博会设计的美国馆的封面图片中得到什么启示呢？

1976年美国建国200周年的时候，穹顶（dome）着火了，这似乎标志着反主流文化时代的结束。所有这些梦想都会化为灰烬。从穹顶的灰烬中（金属网格结构幸存了下来，塑料涂层融化了），一座生物圈博物馆矗立在里面。这似乎是一种思考嬉皮士现代主义命运和未来的有趣方式。