【時尚與人像攝影系列】時尚攝影 華麗與反諷

時尚攝影由來

時尚與攝影，並非總是一併出現的，時尚源遠流長，而攝影面世尚不足二百年。時尚攝影的面世，自然與1939年攝影術的誕生息息相關，短短十多年後，所謂的時尚攝影已出現。在攝影的誕生地法國，攝影師Pierre-Louis Pierson與拍檔Mayer兄弟，在1855年成立Mayer and Pierson工作室，為當時的達官貴人拍攝肖像，其中為拿破崙三世的情人Virginia Oldoini (1837-1899) 拍攝的照片最廣為人知，相片中的她身穿豪華服飾、自信地展示不同的肢體動作。單純美感而言，這些照片已可媲美當下的時尚雜誌，後來這批影像也被普遍認為是最早的時尚攝影。

早期其實並沒有時尚攝影的說法，所謂的時尚與攝影，也只是上流社會的玩意，十九世紀中後期出現的兩本雜誌《Harper's Bazaar》及《Vogue》，某程度上改變這現狀。初時很流行以插畫來展示時裝，美國商人Conde Nast在1909年收購《Vogue》後，銳意改革成high-end雜誌，找來當時著名的肖像攝影師Adolph de Meyer拍攝時裝，嚴格來說，這才是時尚攝影的開端，意味着時尚攝影進入專業化的年代。

Adolph de Meyer為《Vogue》及《Vanity Fair》雜誌掌鏡，1922年轉投《Harper’s Bazaar》成為首席攝影師，原有職位則由藝術攝影大師Edward Steichen接手。最初拍攝服裝時，Edward Steichen也如Adolph de Meyer一樣，利用柔和燈光營造出唯美感，但很快他便摒棄這種古典油畫風格，取而代之是輪廓分明、光影對比強烈的影像，來呈現出女性與時裝的魅力。這一風格對後來的時尚攝影有很大影響，因而被後人尊稱為「現代時尚攝影之父」，相反比他更早入行的Adolph de Meyer，卻漸漸被人遺忘。

簡單概括時尚攝影的歷史，無非就是《Vogue》與《Harper’s Bazaar》雜誌的攝影師之爭，不論是二戰前的Erwin Blumenfeld、George Hoyningen-Huene、Cecil Beaton及Horst P. Horst，還是戰後的Irving Penn、Richard Avedon、Helmut Newton及Guy Bourdin，都長期依附着這兩本雜誌，慢慢建立起時尚攝影大師的名譽（當然後來的《Purple》、《The Face》及《i-D》等雜誌等也孕育出Terry Richardson、Mario Sorrenti及Mark Borthwick等攝影師，這另當別論）。2019年為香港版創刊號《Vogue》拍攝封面照片的英國攝影師Nick Knight，自1990年代至今，也為英國版《Vogue》拍攝過數十張封面照片。

美感與反諷 

時尚攝影誠然是推動時裝潮流及發展的見證者，Chanel的小黑裙、Dior的New Look，無不是在時尚攝影的推波助瀾下，變得廣為人知。Brian Duffy及Terence Donovan等英倫攝影師的鏡頭，更記錄1960年代風靡一時的Swing London風潮。時尚攝影某程度上是用攝影的手法展示時裝，通過模特兒的演繹呈現出服飾的華麗，但若因如此，便狹義地定義時尚攝影，明顯是以偏概全，將時尚攝影形容為商業的傀儡。

攝影師們也心知肚明，這樣只會百害而無一益，因此借用時尚攝影來表達自我個性，形成別樹一幟的風格。Helmut Newton的黑白照片充滿情色挑逗、Guy Bourdin通過飽和色彩及女性胴體去呈現慾望、Melvin Sokolsky的漂浮「Bubble」系列非常夢幻、Lillian Bassman的影像猶如水墨畫、Tim Walker的作品充滿童話式怪誕，這些攝影師的作品本身已相當iconic，即使面對不同的時裝服飾，也能轉化為充滿個人風格的影像。

2019年初在太古坊ArtisTree舉行的《Beyond Fashion》展覽，也見到不少離經叛道的攝影師作品，Juergen Teller那幅將Victoria Beckham塞入白紙袋的作品，還有之前的Marc Jacobs Bang男士香水廣告及西太后Vivienne Westwood的裸照，都是與傳統時尚攝影唱反調的例證。

然而，我卻欣賞那些懂得借用時尚攝影來探討社會議題的攝影師。1940年代初，納粹對英國進行大轟炸，那時的倫敦滿目瘡痍，為《Vogue》掌鏡的Cecil Beaton，將模特兒置身廢墟之中，以影像控訴戰爭的殘忍無情。上世紀最經典的例子，有意大利攝影師Oliviero Toscani在1982年至千禧年間為服裝品牌Bennetton創作的一系列廣告，成功挑起種族、人權及宗教等話題的討論。

踏入廿一世紀，這邊廂Miles Aldridge的《Homeworks》系列作品色彩夢幻，身穿華麗外衣的模特兒神情茫然，藉此反諷社會物化女性的現象。那邊廂，為意大利《Vogue》操刀的Steven Meisel走得更前，2005年的《Makeover Madness》直指時尚圈的整容問題，2006年的《State of Emergency》講的是恐怖主義下女性受到不人道對待，2007年的《Make Love Not War》系列，則通過風花雪月的畫面與當時的戰爭形成強烈對比，藉此呼籲停止伊拉克戰爭。

時尚與人像攝影

時尚攝影不直接等同於人像攝影，反之亦然（如人像攝影師Yousuf Karsh），不過兩者總是相輔相成的。二戰後成名的Irving Penn及Richard Avedon，分別擔任《Vogue》及《Harper’s Bazaar》的攝影師，亦敵亦友、惺惺相惜，共同將人像攝影帶到新高度。他們都很擅長以簡單的背景去捕捉被攝者或困惑或喜悅的情緒，用光影及表情來突顯人物性格，尤其是曾在香港舉辦展覽的Irving Penn，有時也透過強烈的明暗對比，帶來獨特的視覺效果，這從拍攝Miles Davis、Issey Miyake及標誌性的畢加索照片裏，均可見一斑。

如果說已故的Irving Penn以簡約的黑白人像見稱，那麼中生代的瑞士攝影師Markus Klinko，則是風格多元的例子。現年60歲的他，掌鏡時尚及人像攝影逾25年，2019年曾在香港展出《2000s : Bowie and Beyond》，展示千禧年代拍攝的名人照片（以助港安醫院慈善基金籌款）。他時而以簡單背景拍攝David Bowie（另一幅坐在窗前的照片則恍如油畫）、時而以誇張造型拍攝Lady Gaga，在歌手Beyoncé的《Dangerously in Love》專輯封面照片中，婀娜多姿的她身穿鑽石上衣；另一幅英國名媛Daphne Guinness的照片，則身穿華麗服飾站在湖面上，感覺非常魔幻。Markus Klinko某程度上也象徵當下的時尚攝影，百花齊放得來又各有特色。

時尚攝影的反思

廿一世紀的當下，時尚攝影無所不在，在流行雜誌、戶外廣告及社交平台上比比皆是，時尚攝影的定義比以往更廣泛，它作為一種視覺元素，早已融入大眾生活之中，許多人也懂得利用時尚攝影來表達自我。然而不得不承認的是，在這影像氾濫的年代，人人都可以是時尚攝影師，然而別具一格的卻寥寥可數，更別說震撼整個時尚界的作品了。

在充斥着海量相片的社交平台裏，影像常常一掃而過，即使有心思的作品出現，懂得細心欣賞的人也是少之又少了。反觀整個二十世紀，許多經典的人物形象，例如柯德莉夏萍、夢露及麥當娜等，都是透過時尚攝影塑造出來，Irving Penn、Richard Avedon、William Klein及Lillian Bassman等大師的經典作品，更昂然走入藝術殿堂。時尚攝影能否在前人的栽種下走得更遠，這才是值得時尚界及攝影師學習及反思的地方。

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