北美館《旅途：新進典藏作品展》，一個不期而遇的審美經驗

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幾年前聽了陳珊妮的演講，他說他讀大學的時候，每年都會存錢去看金馬影展。但她幾乎不太會刻意衝那種很多人看的的大片，而是很隨意、隨機的找片來看。這樣的觀影經驗，好處是可以讓人脫離既有的審美經驗，跳脫自己本有的美感，去看看是不是還有人在做些不一樣的東西，看看自己認識的世界之外還有人在做些什麼。

陳珊妮這席話讓我印象很深刻，很多時候，我們應該試著吸收各種不同美感，拓寬自己審美的韌性，讓自己有彈性的去面對不同的事物，而不是只看自己喜歡的東西而已。

這次去逛北美館其實也是類似，在完全不知道有什麼展覽的狀況下就跑去參觀了，結果進館的第一個策展《旅途：新進典藏作品展》似乎就呼應了這樣的想法。雖然我主觀覺得策展人應該是硬要替新進典藏作的展覽想一個主題，所以才取了「旅途」這個概念就是了（笑）。旅途，意味著參觀的人在展場中像是進行一場行旅一般，而每個作品都可以是旅途的風景，也可以是另一個旅途的起點。

首先吸引我的，是李茂成與李安成兄弟的水墨創作。他們的作品也被視為「新水墨」的代表人物之一。這樣的水墨畫風讓我想起之前來北美館看的李義弘回顧展。我對所謂「新水墨」的論述不熟，但我想就跟許多文化創作的領域一樣，都會回頭思索傳統與現代的問題。

在水墨畫的領域裡，從前中國文人作畫大多講求心性與意境，但現代的水墨畫家就更強調創造與個性。但我不認為現代畫家，或這些所謂的新水墨畫家就真的刻意表現個性，為現代而現代。我不認為現代的畫家不強調心性與意境。我認為現代的畫家也是很著重感受性的，只是當代感受心靈的方式和手段和傳統不一樣。

例如傳統水墨畫可能沒有那麼強調光影對比，但光影對比其實在心理上可以展現內心情感的波動與落差。又或者，現代的繪畫也常常有幾何圖形、甚或抽象的圖案，這也是傳統繪畫少有的。而這些幾何、抽象的圖像，有時展現的是內在比較精神性的感受。甚至有時展現的是思考，而不是情緒。

喜歡倪再沁的水墨，看起來像插畫，但細看圖畫，很多令人莞爾一笑的細節。然後畫刻意用窗框的框架，再用藍色的海將之切分，簡潔、接近抽象的藍白對比模樣，劉露出安靜恬淡的感受。

我想起那副攝影史上最貴的作品，《萊茵河二號》其實也是類似的構圖。攝影師Andreas Gursky將萊茵河一旁的建築、船隻等都修掉，呈現出沒有人為的自然景色。當然，我認為這樣的作品主要也還是想透過簡單的線條、色塊來呈現出一種心理狀態。

展覽中段有一連串攝影作品、影像作品、和裝置藝術，也都很精彩，因為太多了，所以這裡記錄我印象比較深刻的。

李國民的攝影《一癡三十年》，作品從橫跨1985到2015三十年，從底片到數位輸出。但無論是哪種輸出方式，李國民都刻意用「錯誤」的方式沖印，讓這些攝影脫離寫實，而呈現破壞式創造。可以看到這些作品的構圖也是走切分色塊的風格，很顯然是要帶出另一種美感感知的方式。同樣是畫面色塊的切分，隨著顏色的不同，其實也帶出不同的情感。

（題外話，這是不是有點像靈性油彩的原理，不同情緒的人會偏好不同色彩的油？）

攝影不一定要走紀錄、寫實的風格，透過不一樣的設計，攝影作品也能呈現很多不同的風貌。喜歡吳政璋這件作品，《存在與虛無2016》。雖然是2016的作品，但看起來卻頗符合現在疫情時代的氛圍。從前教室裡是一堆學生上課時分心，都在偷玩手機、看漫畫、吃便當，人在教室裡卻彷彿不在。而現在疫情氛圍下，學生們開始上網課，我們開始用電腦與手機上課。當然，這已經是我在疫情下的詮釋了，但我想這詮釋也不會差太遠。

展區後段是大幅的作品，看到巨幅的畫作格外過癮。

喜歡黃海欣的《小確幸之河》，感覺有點像是《清明上河圖》的現代版：同樣是紀錄小民們的日常生活，排隊吃燒烤、到公園野餐、到夜店跑趴，但此外還能看到核災的發生、地震、躲防空洞、撿屍等大小災難，讓人莞爾。或許說像《清明上河圖》，搞不好精神上還更像浮世繪，把這個時代常民的生活，好的壞的都記錄了下來。正是因為不是恆常美好，所以那些看似平凡的日常才更像小確幸。

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